墨西哥导演阿方索·卡隆自2013年《地心引力》以来的首部作品《罗马》,在还未登上银幕之前就已备受关注,由于发行商Netflix的“不良出身”,这部大作早早就被戛纳拒之门外——但这毫不影响它在今年秋天卷土重来。几天前在威尼斯的首映,口碑极佳,而接下来,它还将一个不落地出现在Telluride,多伦多,纽约和伦敦,成为各大影展的“绝对主力”。在这一季奥斯卡的大幕还未完全拉开之际,有人便已把它当作最佳影片的有力竞逐者。要知道,这对于一部非英语作品来说是极大的肯定,上一部获得同样提名的还是六年前哈内克的法语作品《爱》。
有趣的是,《罗马》和《爱》之间的联系不仅仅在拍摄语言——这两部电影的名字其实就相差了一个字母(“Amor” vs. “Amour”),法语中的“爱”(Amour)在西班牙语里是“A-m-o-r”,而把这四个字母倒过来,就成了我们现在看到的片名:ROMA。
片如其名,这是一部倾注了卡隆满满爱意的作品。故事的主角叫克莱奥(Cleo),是墨西哥城中产人家里的一位女仆/保姆。故事蓝本是卡隆的童年经历,所以片中四个孩子中的一个,想必就是导演自己——那个时候他还不到十岁。电影聚焦在1970年代,以克莱奥一段苦涩的爱情经历,和女主人苏菲(Sofia)被丈夫抛弃为主轴,细腻而悠扬地刻画了这家人的生活遭遇。同时,导演也用短暂的篇幅交代了当时社会的动荡:墨西哥城街头的巷战,枪声,炮火,带我们进一步去感知那时代洪流中的渺小个体——尤其是女人和孩子,他们看似平静生活背后的不易和创伤。
然而,《罗马》并不简单是卡隆个人记忆的重现,整部电影的拍摄,和我们如今在银幕上看到的克莱奥,对导演来说都是一种“再创造”。保姆当年的生活细节,她体贴和无微不至背后的内心波澜和感情悸动,以及丧女的悲痛,想必都不是一个十岁孩子能够观察和体会得到的。影片中有一段完整描述了克莱奥在睡前是怎样一盏一盏关掉家里所有的灯,而这个极富诗意的360度长镜头,也自然不是童年卡隆的亲眼所见。与其说《罗马》是导演对过去的追溯,不如说是一种复原。他自己也说在准备过程中和克莱奥通了许多次电话,聊到了很多细节,为的就是尽可能去还原她当时的生活轨迹和精神状态,连她在厨房里忙活的时候听的是什么歌都打听清楚了。所以,对于卡隆来说,把抚养自己长大的保姆搬上银幕,不但是对自身过去的回望,更是对一个普通女人进行重新认知的过程。
其实早在十年前,卡隆就有了拍摄这部电影的想法,而迟迟没有动作的原因,据他讲是因为还没准备好——并不是技术上,而是情感上的:十年前的他显然还没有绝对把握完整表达这份感情,而拍好一个亲密的角色确实需要几分超脱和距离。波兰斯基直到七十岁才通过《钢琴家》揭开自己童年的伤疤,其中的感受想必也颇为相似。
因此,我们在《罗马》中看到的是一份从容悠缓和成熟大气。这段私人记忆和对过去的回首,既非声嘶力竭的追问,也非一厢情愿的怀恋,而是始终如一地建立在对克莱奥这个角色无微不至的呵护之中。这位抚养卡隆长大的女人,在这部电影里反倒成了被关照的对象。导演亲自掌镜,用细腻和如涓涓细流一般流淌的影像,为我们呈现了已知天命的他是如何定义自己的过去,又是如何珍视这份与母爱并无二致的情感。影片中的克莱奥尽管卑微渺小,毫不起眼,但却始终是被“捧在手心”的。生活的潮水中,这个小人物所经历的微弱幸福并没有被过度渲染,而那些痛苦和伤痛也没有被残忍地放大,电影的基调始终处在一种恰到好处的平衡之中。我们的克莱奥,欢快时如小麻雀一般穿过密集的车流,忐忑时靠着画框歪着的白墙看着男友裸身表演武术,无助时侧坐在女主人苏菲身边几近淌出泪水等着交代自己的不幸,勇敢时顶着比自己身躯还要高出一截的海浪奋勇向前,平静时则一言不发,坐在车子里望着窗外回想不久前刚经历的劫难。《罗马》中的故事并没有特别强烈的戏剧冲突,但我们依旧毫无保留地走进了克莱奥的内心世界。这位长相平平的女主人公,连笑起来都有几分腼腆,却被导演赋予了极闪耀的人性光芒。
从视听角度上看,这部电影的内在力量也是无比强大的。在如此强调叙事和故事性的今天,卡隆用他标志性的长镜头为我们还原了电影作为一门艺术形式最初的美丽。影片的开始就让人回味无穷,甚至让人联想起塔可夫斯基在《乡愁》里的开篇。放映字幕时,镜头一直聚焦在家宅内院的地板上——而且是很小的一个局部,不仔细看甚至不觉得它是地板。然后我们看到水流划过,覆盖了整个表面,肥皂沫涌起,地板被洗刷一净,这个过程中摄像机完全静止,克莱奥自然也没有出现在镜头里。字幕放完,镜头缓缓抬起,一户平和而美丽的墨西哥宅院逐渐映入眼帘,摄像机平行对向户院大门之后开始转动,缓缓经过了180度来到主屋面前。这个时候,人物出场,刚刷完地板克莱奥从画面一侧走进我们的视野,她进到屋里后拿了什么东西又走出来,镜头跟着她往回转了90度,随其登上房顶天台再次抬起,我们看到屋檐上的天空,和一旁晾满了白色衣裳的衣杆。这一个镜头有数分钟之久,中间没有出现过一句话,克莱奥也没有露出正脸,但结束时我们却对这间宅院的每一个角落,和克莱奥的身份与生活状态一目了然。
这样的例子在影片中还有许多,卡隆对将摄像机置于客厅中央,然后旋转360度来交代人物的运动到了近乎痴迷的程度。除了前面提到的“关灯”段落,在与苏菲座谈之前叫孩子回屋的那一幕,和在乡间旅馆里载歌载舞的那一幕也都是异曲同工。导演通过这样的镜头设计最大化地将我们的视角与克莱奥的生活状态对接,并通过刻意压制的节奏传达出一份内敛的力量,使我们进一步沉浸在这份真挚的情感里面。
当然《罗马》并不是一味地追求舒缓和隽永,卡隆对影片炉火纯青的把握还体现在最后半小时,也是剧情冲突相对激烈的半小时。反动武装的街头暴乱,持枪匪徒夺门而入,惊扰了正在商场里买婴儿床的克莱奥,也击碎了她对新生活的憧憬。紧接着,悲剧来临,去医院路上响彻天际的焦急的喇叭声,和在医院里紧张得让人喘不过气来的抢救,一举把影片推向第一个高潮。尤其是后者,从头到尾仅用两个长镜头就交代了全过程,并悄无声息地把情绪由紧张推到窒息再到无声的悲哀,一气呵成,让人赞叹不已。
正当我们以为电影将在这个悲剧之后缓缓作结的时候,卡隆通过海边抢救孩子那一场戏进一步“绷紧”了故事线,这也是短短半小时之内的第二个高潮。那个侧面跟随着克莱奥步入海面,进入海中,几近被海水淹没,又再怀抱着孩子从浪涛中艰难走出来的镜头只能用震撼来形容。这个看似简单的平移长镜头,却四两拨千斤一般在我们内心中激起了无数波澜。过程中我们只听得见克莱奥的呼喊声和汹涌的海浪声,正如《人类之子》结尾处的“末日长镜”一般,导演通过最基本的视听语言渲染极端情绪的能力再次展露无遗。
最后再聊一聊电影的主题。其实我并不觉得影片中交代的政治事件以及两位妇女(苏菲和克莱奥)面对男人的抛弃所作出的反应是卡隆所要讲这个故事的初衷,尤其是站在克莱奥的角度上看更非如此。打砸抢烧背后的国家命运对她来说距离实在是太远,妇女解放呢,也许于她而言就是个陌生的概念。归根结底,那个充满了悲欢和爱的宅院,那些她呵护有加和爱戴着她的孩子们,还有庭院之外对爱情的追逐,才是生活的全部。我想这部电影所谓的社会意义,并不在于表面上那些带有“社会属性”的情节,而是导演对这位平凡女人刻画时候的视角本身。生活中的克莱奥对于卡隆来说也许真的只是一位“母亲”式的人物,但在这部电影里,同时也通过这部电影,克莱奥成为了一个更加完整的人——她既脆弱惶恐,又勇敢坚强,不仅仅是一位“母亲”。我觉得这种视角比自由和解放还要来得珍贵。毕竟,对于女人来说,获得端正的目光和凝视才是最有诚意的尊重。
影片《罗马》是墨西哥导演阿方索·卡隆的新作,也是本届威尼斯电影节上呼声最高的作品之一。阿方索·卡隆和吉尔莫·德尔·托罗(《潘神的迷宫》《水形物语》)及导演亚利桑德罗·冈萨雷斯·伊纳里多(《通天塔》《鸟人》《荒野猎人》)被誉为“墨西哥电影三杰”。
此次阿方索·卡隆携《罗马》来到威尼斯电影节,有着极为特殊的意义。首先,电影《罗马》是前段时间闹得沸沸扬扬的戛纳与网飞的撕逼事件中被网飞撤下的作品之一,而福茂本人也曾坦言他非常希望《罗马》能去戛纳,迫于法国院线的压力只能舍弃该片,这才让《罗马》辗转流徙来到了威尼斯电影节。
其次,今年威尼斯电影节评审团主席乃是阿方索·卡隆的老乡、刚拿过奥斯卡最佳影片和最佳导演的吉尔莫·德尔·托罗。有老乡兼同行加持,《罗马》在影节开幕前就被誉为金狮种子选手。加之近五年来,墨西哥三杰4次摘取奥斯卡最佳导演桂冠,可谓创下神话。若《罗马》能摘得金狮,或许也能像《水形物语》一样进而挺进奥斯卡折桂,这样不仅可能为网飞赢得史上第一个奥斯卡最佳电影奖,还有可能持续刷新奥斯卡导演奖墨西哥连胜的纪录。《罗马》的天时、地利、人和,似乎在威尼斯一展无遗。
阿方索·卡隆出生于墨西哥城,他小时候有两个梦想:成为导演或宇航员。不过后来听说要想成为宇航员就必须参军,他便放弃了这个想法,转而一心一意地钻研电影。
2001年,阿方索·卡隆的电影《你妈妈也一样》入围威尼斯金狮单元,此后他声名大噪,不仅拍了《哈利·波特与阿兹卡班的囚徒》,还在2007年凭借《人类之子》再次提名金狮奖,更在2013年用《地心引力》为当年威尼斯电影节开幕,并最终在奥斯卡横扫包括最佳导演、最佳剪辑、最佳视觉效果在内的7项大奖。
此次,阿方索·卡隆的新作《罗马》在威尼斯电影节第二天上映,引发了观影狂潮,映毕媒体反响积极。场刊得到4.65分的极高分数,卫报电讯报综艺Indiewire等一水给了五星。上映前,卡隆对《罗马》的保密工作做到了极致,在上映前观众得到的信息寥寥无几,唯独可知的是《罗马》讲述的是墨西哥城的罗马区里,一个中产家庭的故事。
然而在放映后,一切终于明朗起来。片尾“献给Libo”的字样把卡隆拍摄《罗马》的意图展现无遗:《罗马》,其实是卡隆的一封私人家书。
卡隆坦言,自拍摄《你妈妈也一样》以来,他再也不敢拍摄故土墨西哥,这似乎成了挥之不去的遗憾。此次《罗马》让他18年后再次回到墨西哥,卡隆感慨良多。
加之电影讲述的其实是七十年代初期、卡隆童年时代抚养他长大的女佣以及家庭的故事,这部作品无疑饱蘸着深情,成了卡隆最私密的一部电影。
卡隆在记者采访他时说,“电影中百分之90的场景来自于我的记忆,有些直接,有些则迂回,但都是关于那个塑造我的时代,或者说塑造墨西哥的时代,那正是墨西哥漫长时代变迁的起始点。”
为了展现这个特殊的时代,卡隆亲自担纲该片摄影,并采用Alexa 65数字黑白摄影。这是他第一次亲自为自己的长片摄影,说来还有些战战兢兢。他担心摄影师如果母语不是西班牙语,会无法拍出自己想要的感觉,所以最终为了效果兵行险招、亲自操刀。
他坦言希望自己这部电影能够最大限度地被看到,不仅仅只是在流媒体上播放。然而,电影在后续的奥斯卡季有可能会改成70毫米胶片上映,而在多伦多和纽约电影节上则可能改成数字4K格式上映。
影片《罗马》的故事主线围绕墨西哥城一家偏上层的中产的家庭展开。女主人Sofia有4个孩子,丈夫却假借出差和小三私奔,她隐瞒真相继续维持家庭。而家里的女佣Cleo性格温和善良,她和练习武术的男子Fermin相恋,对方却在得知她怀孕后将她残忍抛弃。
Sofia不仅没有摈弃Cleo还帮助Cleo生产。在卡隆的故事里,女性无不坚韧自强,而男人都始乱终弃,毫无责任感。这样的剧情让电影似乎笼罩着女权主义的光环。Sofia对Cleo说“我们女人,永远是孤独的”,控诉男性在家庭和责任前的缺失,这似乎是卡隆生活中极为私密的隐殇。
不得不说《罗马》的摄影是登峰造极的,从电影开头的长摇镜头开始,卡隆就极其克制且精准地把人物的运动轨迹巧妙捕捉。女主角Cleo的行走、家务动作如行云流水。而父亲小心翼翼地停车,一家人翘首以待,伴随着车镜子和车身几组镜头转换,竟把泊车拍出了仪式感。
在影院里的两幕屏中屏戏,一幕《虎口脱险》为Cleo和Fermin的分手做背景,另一幕太空戏《蓝烟火》仿佛说出了卡隆少年时代的太空迷恋。而当Cleo走出影院,她身后嘈杂无比的小贩,反衬了Cleo郁结的心事,调度落落大方不见痕迹。另外有一场火灾戏和海浪救人的戏码也是十分精彩,而社会运动的街道暴乱,还原度之高让人叹服。可以说卡隆的摄影让《罗马》变成一部纯粹的银幕电影,无怪乎他坚持电影一定要进院线上映。
影片《罗马》发生的年代在1971年前后,正是墨西哥社会变革的中期,此后的数十年墨西哥动荡不安,一直进行着新自由主义改革。卡隆瞄准这一社会剧变时期,将女主角Cleo身处的时代背景藏于故事之中,让Cleo的身世沉浮终于和大时代产生了联系。
1971年6月10日,墨西哥城经历了震惊世界的科珀斯克里斯蒂大屠杀,100多名学生在游行中惨遭墨西哥军方杀害。在《罗马》里,卡隆对这一惨案有了回溯,学生们在街道上举着切·格拉瓦的旗帜游行示威,而电影女主角Cleo乘车去为即将降生的孩子购买婴儿床,却在社会运动中再次见到已经成为惨案施行者的Fermin,情绪过度激动导致羊水破裂,最终诞下一名死婴。
这段故事虽然有些不可置信,却或许是发生在卡隆童年时代女佣身上的真实事件,亦或者是卡隆的隐喻。在大背景剧变下,小人物的命运可能因此改写,而Cleo的命运就是对这个时代最有力的无声证言。
诚然《罗马》是私人的,但它依然拍出了时代的宏大,虽然少许剧情有些肥皂剧的嫌疑,然而,在它连贯的、通达的影像光辉之下,《罗马》这一封卡隆的私人家书闪耀着史诗的光芒。不少媒体,认为《罗马》是卡隆从《你妈妈也一样》以来导演生涯的巅峰。
以这样深情的角度去诠释自己生命中一个极度重要的时刻,去惦念划过自己生命的重要的人,我想,这或许会是每一个导演的终极梦想。
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1
技术是什么?
技术是工具。
如果我们称赞一部电影夸来夸去都是技术,那只能说明它在表达上太失败了。
俗话讲:光练不说,傻把式。
技术最终是要支撑表达的,而不应该完全盖过了表达。
这一点看阿方索·卡隆就知道了。
我一直敬佩卡隆的点,就在于他总能运用高超的技术来构建自己的艺术表达,并且显得游刃有余。
特别是《人类之子》和《地心引力》,卡隆已经将二者的结合做得十分娴熟。这在当代导演中是并不多见的。
更没想到的是,到了《罗马》,卡隆更进一步,干脆将技术彻底化于无形,成了复原现实时空的手段。
《罗马》里,不见《人类之子》中调度复杂的长镜头,更没有《地心引力》里360度全覆盖的宇宙空间,而只有几条按卡隆记忆重建的墨西哥中产街区。
这看似是一种技术降维,实际却是技术在电影本性上的一次探索,即“构建真实时空”。
从另一个角度讲,这也是卡隆的底气。他已经无需再用技术直接戳观众的眼球,而可以坦然把它当作纯粹的表达工具。
这是卡隆成熟度的体现,也正应了那句话:《罗马》不是一天建成的。
很多人形容《罗马》是卡隆写给家乡的一封情书。
这个过于诗意的定义显然无法概括《罗马》。
如果我们拿《罗马》和《阳光灿烂的日子》做个对比,就能看出差别。
两者同样是关于少年时代的记忆,但拍《阳灿》时,姜文只有29岁,离他所书写的青春并不算遥远。因此《阳灿》是明亮的、飞扬的,也是干净的。这种“干净”就体现在拍摄时,姜文一再要求所有人去扫街,因为在他的记忆里,童年就是一尘不染的。
而拍摄《罗马》的卡隆已经年近六十。距离他要拍摄的年代,也已经过去了四十多年。
如此漫长的岁月拉开的不止是观望的距离,还有观照的范围。
《罗马》从一开始就是沉稳的、内敛的,像个中年人重新走进儿时的街道,纵使心底有无限深情,也已被年月塞进了深沉里。
至于故事的主角,也不是“我”,而是“她们”。
这些距离感共同营造出一种超越私人记忆的历史感,使得《罗马》中呈现的日常生活,不止是日常生活,而是同时笼罩在历史伤痕、社会动荡、阶级差异和情感缺失中的浓缩角落。
2
《罗马》的第一个镜头,应该是我近两年看过的印象最深的一个镜头。
黑白画面,点点斑驳的石塑地板铺满了整个屏幕,仔细听,屏幕外传来鸟叫声,有人打开铁门,步履匆匆地走过,取了水桶和拖把,接水,擦地,然后把水泼在地板上,水流声由远及近。终于那水波闯入画面染湿了地板,映出头顶的天空,一架飞机缓缓驶过。
影片的故事就从这样一个最最日常的小奇观开始了。
等到第二架飞机驶过时,已是36分钟之后,女佣可莉奥终于腾出手来,清理了院子里的狗屎。
由此我们回溯前36分钟的情节,实际是卡隆不动声色地为我们呈现了可莉奥的一天。
她陷在无穷无尽的琐事之中,做饭、洗衣、洗碗、刷杯子、哄孩子、照顾主人……等夜深了,所有的灯都关闭,她才顾得上给自己倒一杯水,给狗抓一把狗粮。
没错,这个情节不是随意安排的。卡隆就是通过这样微小的暗示,将可莉奥和狗的命运联系在一起。
类似的暗示还有很多。
比如一家七口坐在沙发上看电视,而可莉奥只能蜷缩在一块垫子上。
再比如老女佣说的那句:“这些狗实在是累坏了。孩子们总和它们玩儿,一刻都不停。”
……
尽管这种对位是残忍的,但卡隆并没有任何批判的意味,他只是在呈现一种事实,一种天然存在的阶级差异。
这种阶级差异不仅体现在主人与仆人的身份高低上,更体现在她们应对痛苦的方式上。
影片中的两个女人——女主人索菲亚和女佣可莉奥面临着相似的窘境,索菲亚的丈夫和情人私奔,可莉奥因意外怀孕被男友抛弃。
两个人的痛苦不相上下,可是在整个承受痛苦的过程中,我们看到可莉奥始终是沉默的、隐忍的,而索菲亚却可以大喊大叫、歇斯底里。仿佛“痛苦”本身也具有某种阶级性,只允许地位高的人撒泼打滚,而底层人只能失语沉默。
这还不算完,面对出走的丈夫,索菲亚可以找人哭诉、借酒浇愁,还能让孩子们给丈夫写信,直到最后买一辆新车、换一份工作,重新收拾好心情;而可莉奥却只能独自面对,她既无法从别人那里获得安慰,也无法改变自身处境,她只得沤在这种痛苦里,毫无腾挪的余地。
更残忍的是什么呢?
是影片中索菲亚痛骂可莉奥的两场戏。
第一场戏是丈夫借口出差和情人约会,索菲亚心知肚明,却只能眼睁睁看着丈夫离开。之后她突然发作,大声质问可莉奥为什么不收拾院子里的狗屎,仿佛这才是导致他们夫妻失和的原因。一旁的可莉奥怔了一下,低头不语。
另一场戏更狠,索菲亚打电话向朋友哭诉,被孩子偷听。她冲出门后打了孩子,并恶狠狠地质问可莉奥,“你,为什么没有阻止他?为什么?赶紧给我出去!”
要知道,这场戏是紧紧跟在可莉奥被抛弃的戏后面的。在那场戏的最后,男友费尔明对可莉奥喊道,“滚,你这个该死的女佣!”
而索菲亚的话,几乎是把这句谩骂不带脏字地又重复了一遍。
如此呈现阶级差异的方式,比起那些直白的二元对立,要更残忍。
它把一种有意识地欺压悄悄转变成了无意识地误伤。
坦白讲,索菲亚一家是很不错的雇主,孩子们和可莉奥亲近,索菲亚对可莉奥也很和善,亲自带她去产检,甚至为她买新的婴儿床。
当一切风平浪静时,这两个女人甚至可以像朋友一般相处。可是,当痛苦来临时,阶级的残酷性也悄然而至。
它的残酷就在于:我的痛苦大于你的痛苦。
是的,大家都好的时候,自然我好,你也好;可大家都不好的时候,我不好,你也别想好。
直到影片最后,当索菲亚终于振作,准备开始新生活时,她半强迫地带可莉奥一起去旅行。那背后甚至不无这样的潜台词:我都已经好了,你还痛苦什么呢?尽管那时的可莉奥才刚刚失去自己的孩子。
这种不动声色、全都在情理之中的呈现残忍,是卡隆尤其高明的地方。
它让我们看到了一种无奈的必然,无法消解。但也没办法,因为这就是生活。
3
比起情伤和阶级差异,藏得更深的一层伤痕来自社会层面。
很有趣,这部电影关于整个社会环境的呈现都放在闲谈中了。
先是早餐桌上,索菲亚的孩子说起在街上目睹军人打死了学生,还模仿子弹爆头的瞬间;之后在原住民的聚会上,老女佣指着隔壁桌的男人对可莉奥说,“他的儿子不久前因为土地纠纷被杀死了。”还有可莉奥刷碗时,听另一个女佣说,“我听说政府的人去了村子,你妈妈的地也被强征走了。”
一连串的暗写过后,终于在全片的第94分钟,透过家具店的窗子,一个横摇镜头扫过,我们得以见到了一场真实的街头暴乱。
那是1971年的墨西哥,早在3年前,1968年,墨西哥刚刚爆发了近代史上最臭名昭著的屠杀事件——特拉特洛尔科大屠杀。
屠杀中,游行的学生惨遭政府卫队枪击,数人身亡。
3年后,这场屠杀的阴影仍未消散。而可莉奥目睹的是另一场屠杀的上演。
这是影片的华彩段落,正当镜头从街道转回家具店后,我们看到几个人冲进来,杀死了躲藏的平民。此时一把枪正对着怀孕的可莉奥,当镜头拉远,我们发现持枪者正是弃她而去的男友费尔明。
这是极为荒诞的一幕。
谁也想不到,一家三口的唯一一次相聚,竟是以这样的方式。
那么为何如此?
其实答案并不难发现。
还记得影片中的一个情节,可莉奥随主人一家到乡下的庄园作客,那里的老女佣带可莉奥走进一个房子,指着墙上挂的狗头说,“这些都是在这儿生活过的狗。你看,这一只死在了1911年。”
1911年,是一个特殊的年份。正是在这一年的春天,墨西哥革命取得了阶段性胜利,旧的领导人下台,革命派迎接新的总统上台。
可是,新总统上台后却并没有兑现承诺,将土地归还给印第安人,导致了墨西哥的进一步动荡。
转眼几十年过去,原住民的生活并没有好转,他们始终处于底层,文化凋零,土地流失。
对应到影片中最直接的一场戏,就是白人们对着田园开枪取乐,寓意着殖民者对于原住民文化的伤害。
而其后的一场戏,就是那场烧毁田园的大火。
注意看,参与救火的几乎都是原住民,还有那些尚未建立阶级观念的孩子们。而成年的白人们则一律袖手旁观,甚至仍然端着酒杯在一旁交谈。
随后,那个扮演成神兽的原住民对着废墟唱起了歌,歌词不明,但无疑是一曲挽歌。
由此我们知道了附加在可莉奥身上的另一层伤痕,就是整个原住民群体的没落。
他们很多生活在贫民窟,没有受过好的教育,更没有上升的空间。
女人们可能唯一的出路就是做女佣,像可莉奥那样能找到一个中产家庭,甚至算是运气好的。
而男人们,就如费尔明一样,以为武术可以拯救命运。他加入政府的便衣组织,感觉自己获得了阶级跃升,甚至因此看不起做女佣的可莉奥。可事实上,他不过是政府的白手套,在政府不想脏了自己的手时,他成了那把罪恶的枪。
于是才有了家具店中的一幕:一个男人用枪指向自己女人腹中的孩子。
这一幕看似荒诞,却又像是冥冥之中难逃的命数。
身处底层的他们上升无望,在同一个狭小空间里挣扎时,难免会互相伤害。
这就是宿命。
最终,费尔明转身逃跑,可莉奥在震惊中,羊水破了。
更惨的是,屠杀造成了全城大堵车,可莉奥因此错过了最佳的生产时间,导致婴儿惨死。
这个结局仿佛在说:整个原住民群体的未来,也一并被这个国家杀死了。
4
最终,回到电影本身,我想说一句。
虽然《罗马》饱含着高浓度的表达,但却并没有因此丧失轻盈感,或是制造太多极端的戏剧性。
相反,卡隆是极为克制的。
他并没有打算用这部电影来解构生活,而只是重现了一段生活而已。
正如我一直都相信的一句话:当你试图条理分明地看待生活时,生活就已经失真了。
而一部好的电影,不应该做这样的傻事。
至于上面提到的历史、社会、阶级、文化,尽管它们都对生活产生了影响,却远远不是生活的本质。
那么生活的本质是什么呢?
卡隆用不断划过天空的“飞机”告诉我们:生活就是周而复始,是无论生活在什么时代,经历怎样的伤痛,仍将继续也必须继续的一种无奈和无畏。
略显古怪的是,《罗马》多次让我想起鲁迅,尤其是Cleo和孩子们共处的那些温馨场景。当鲁迅写阿长时,他写的正是少爷与奶妈/女佣间的温情;而当他写另一个女佣祥林嫂时,他写的是她的陷落及最终的死亡。可以将她们视作同一个类型的正反面,而鲁迅则是那个在回忆中、在“历史中间物”的幽暗意识中感激或忏悔着的主人阶级的少爷。回到《罗马》,当我们说它采取的是Cleo的视点时,这当然再正确不过了;但一旦将作者与文本的关系纳入考量,我们会意识这是一段自2018年回溯1970-1年的记忆。阿卡索暗藏玄机,将与Cleo最亲近的小男孩设置为一个可以“回忆未来“的人——他甚至有些过于急切,让这样的场景出现了两次。什么样的人才拥有”回忆未来“的能力呢?——阿方索自己。所以当小男孩说自己在年老时经历的恐怖的飞行经历时,他说的是阿卡索自己的历史意识——从始至终,只有他在回忆,也就只有他能将1970年代至今的历史感受为恐怖和邪恶。不妨这么说,摄影机呈现的视点认同是Cleo,而导演自身的位置被怪异地安放在了小男孩身上。
当历史来到2018的十字路口,世界每时每刻都似乎在孕育着更加惊人的动荡不安,我们看到了两部具有史诗野心的影片。但我并不喜欢《幸福的拉扎罗》,本质上的神话性使它沦为孱弱而虚幻的哲学背书;《罗马》不同,它是一则寓言——全球化发展到“帝国”阶段的墨西哥寓言。我对历史表征一向挑剔,而阿方索令人惊喜的地方首先在于他相当精准地回到了1970年代。1970年代,是奈格里和哈特认为资本主义/全球化由“帝国主义”阶段转向“帝国”阶段的关键期,是资本脱域和非物质生产(情感经济)开始踏上其吞并八荒征程的起点。它还以各种版本的1968(法国、日本、捷克,美国稍后的反文化运动)为症候。现在阿方索给我们提供了一个墨西哥版本:一个由电影(《虎口脱险》、《蓝烟火》)、电视、日本武术构成日常性的版本。对我来说,全片最佳出现在那场郊外戏:
1971年的拉美,一个“全民教授”冲着一群流氓无产阶级讲授东方神秘学中的灵修、潜能和意志;后景是海,海的上空有飞机从他头顶飞过;这群无产阶级正为了奥运会集训日本武术,而他们下次现身是作为镇压左翼学运的打手。还有什么比这些荒诞却无比“真实”的情节更有力地揭示出“帝国”时代非物质生产的暴力性根源么?在这场戏里,它的场景和生动气韵让我不禁想到了费里尼。但这是费里尼拍不出来的戏,因为它有着近乎溢出的历史意识——詹明信说,只有第三世界的艺术家才会对历史自觉。
寓言必然走向历史表征,但须要经由个体事件,在《罗马》中这自然是Cleo具体的生命经验,其中被格外放大的是她生命经验中的阶级因素。齐泽克老师(齐泽克谈《罗马》:大多数人根本就没看懂)还是非常厉害,不过我觉得专栏限制了他的发挥。除了前脚说爱、后脚命令外,我想补充的一个细节来自她们度假归来后的客厅戏:电话铃响,Cleo接听后(电话是找女主人的),异常自然地在身上擦拭“干净”听筒......这个细节令我非常不安,它似乎意味着主奴划分不仅化作了主人的无意识,更不幸的成为了Cleo的无意识,即使在她刚刚救了主人家的孩子之后也依然如此,这意味着齐老师所谓“觉醒或崭新的Cleo”几乎是不可能的。
需要回到1971年6月10日,那一天怀孕的Cleo跟随主人来到家具店,同一天发生了科珀斯克里斯蒂大屠杀案(Corpus Christi Massacre);镇压者冲进了家具店,Cleo的昔日恋人赫然在列,他用枪指着Cleo和他俩未出生的孩子——这是一个多重的震惊时刻:毫无政治意识的女仆Cleo震惊于历史残酷的骤然降临,她也必然震惊于他的枪口;而他大概同样震惊于自己的枪口;而我们还将有另一重震惊,当得知孩子未生先死时。这所有的一切究竟体现出阿方索怎样的意图呢?是不是意味着在他的认知中,作为一个整体的无产阶级是不存在的,如果我们一定要寻求一种整体描述,那么它将是从道德、政治意识、身体,从这一代到下一代都无可救赎的。事实上,整部影片真正touch到我的正是这种深重的绝望和悲愤,而不是所谓的奉献与爱,后者不过是我们这个时代主人话语下的可耻道德。当阿方索让Cleo的孩子死去、让她说出自己本来就不想要这个孩子、让她冒死将主人家的孩子救出、让她拥抱着他们彼此说”我爱你“时,我相信他是要提醒我们这其中的残忍,就像他把已经逝去的半个世纪也视作残忍一样。
阿方索的摄影始终保持着节制,但影片的整体风格并不节制,他利用情节本身来表达戏剧性,这种戏剧性在有些时候甚至显得相当刻意。但一旦将历史想象为残忍史,第三世界的国族寓言家们不追求现代主义式的疏离,又有何不可呢?阿方索自身出身于中产阶级家庭,更是“帝国”阶段非物质生产(好莱坞)的直接受惠者,如此想来,对《罗马》的敬意似乎愈加增添了几分。
先让我们看看这部电影的口碑有多逆天?这部阿方索·卡隆拍摄的电影《罗马》以4.4分的破纪录场刊成绩获得今年威尼斯主竞赛单元金狮奖,以96分的mtc专业影评人成绩傲视颁奖季各大风向标,稳获明年奥斯卡最佳外语片和最佳电影的有力争夺者,这是一部阿方索卡隆记录自己童年成长生活和母亲般的保姆关于家庭,关于爱的私人电影,完全以导演的童年生活为蓝本,阿方索卡隆父母早早离异,由保姆一手带大,他从小有一个宇航员的梦想,那个爱画飞机,别人在森林里打猎,唯独他穿着自制宇航服玩耍,有飞行员梦想的最小男孩就是导演自己的化身。
那么这部电影究竟是不是如影评人说的那么好看?
一开始水中倒影,泡沫里的飞机留到最后再说,先谈谈这个用在影片海报里的镜头的含义。
女佣陪最小的那个孩子在阳光下的石板上躺在一起。孩子说我不能说话,我死了。接下来的镜头是女佣慢慢躺在孩子的身边,也假装死了,并说死的感觉还挺好的,这个镜头的意思是代表着女佣和孩子们亲密无间的关系,代表着他们接下来的命运是生死相随,永远相伴在一起的。
当父亲开着车回来时,女仆全力拉住狗,这个镜头表达了父亲真的不常回来的事实,连家里的狗都他很陌生。
父亲的车几乎挤不进走廊,甚至碰坏后视镜代表着父亲的身份已经与这个家庭格格不入,越来越远,也为下文父母离婚做铺垫。
父亲离开要出差的时候,母亲非常依依不舍,甚至有些失态的从后面紧紧抱着父亲,这个镜头预示着母亲已经觉察到了一些事,知道丈夫这一走恐怕不会回来了。所以她非常痛心,非常舍不得他,想在最后再一次抓紧他,但这终究是徒劳的。
渣男在得知女佣有孩子后借口去电影院的厕所,然后再也没有回来,之后镜头立刻切换到下冰雹了,女佣呆呆的看着窗外,这里不是单纯的下雨而是冰雹的的镜头用意是表达女佣已经绝望冰冷,寒到谷底的心。
在新年,一个老妇人给保姆祝福的酒,保姆一开始不肯喝,说对孩子不好,后来最终用龙舌兰酒代替却没想到被旁边的人突然推倒,意外打碎在地上,这里有个特写,这个镜头代表这个保姆之后的生活将会和这个酒罐子一样支离破碎,她的命运将会遇到一个巨大的波折,也为后文保姆最终诞下一个死婴的不幸命运做铺垫。
火灾的镜头有一个像怪兽也像巫师一样的男人在旁人都在救火时居然在淡定的唱歌?这个镜头的意思是这个巫师是个预言者,他所吟唱的悲伤的歌谣正预示着这片土地的毁灭与重生以及这个国家接下来翻天覆地的政权变革。
女仆整理家务时意外发现结婚照上,男主人的结婚戒指留在家里,出差并没有带走,这里表达了男主人与女主人夫妻间已经没有感情,已经分离的事实。
母亲告诉孩子们父亲已经不要这个家,这次出来旅行为了给父亲时间来拿回他的东西的时候,孩子们低头哭泣,悲伤痛苦,而此时旁边一伙人正在举行婚礼,这个镜头很有意思,导演用喜悦来衬托悲伤,用结婚的狂喜与这个失去父亲的痛苦家庭形成鲜明对比,这是一种很高级的表达方式。
母亲买了一辆新车,是代表着她尝试着换另一种生活,而车子的大小是非常适合走廊的表明这种生活是理想的,可行性的。
女佣在海滩拯救两个濒临溺水的孩子也是在救赎自己,她哭着说怪我当时就不想要这个孩子的,这是她在忏悔,在赎罪,救了两个孩子后自责的发泄式哭泣是为了表达自己终于从失去孩子的负罪感里超脱出来了。
保姆与几个孩子还有女主人在沙滩阳光中拥抱的画面是本片最动人的一幕,表明他们这几个不同阶级,不同年龄,不同性别,不同身份的几个人将继续互相扶持着,互相爱护着拥抱接下来的生活。
最后一个镜头是女佣朝着台阶往上走,意思是她和这个家庭的生活轨迹正开始往积极向上,往好的地方走。
一开始的水中泡沫倒影里的飞机和结尾高空飞过的真实的飞机是什么意思呢?阿方索卡隆从小一直有个飞行员,宇航员的梦,泡沫幻影里如梦般晃动的飞机,表达了影片开始了,导演要开始回忆童年的时光,飞机是导演童年的烙印,导演要开始造梦了。结尾真实的飞机划过天空,以及献给导演保姆莉波的感谢词代表着导演终于实现了自己童年时的梦想,拍了一部给自己故乡,给自己童年,给自己母亲般的保姆的私人映像电影。
整部电影,不管是屋内,拍一个保姆在家里深夜关灯,还是室外众人的森林狩猎 ,都展现了阿方索惊人的运镜和调度,如行云流水般流畅的大师级镜头语言让观众如痴如醉。
阿方索卡隆的镜头好在它不是呆板的跟着人物走,而是让人物在一个场景里流动,人物的走动是一个画笔,在场景里随性而精准的雕刻着宁谧又深邃的史诗画卷。
黑白映像的呈现也更加有历史厚重感,以一种真实而又冷峻的质感来记录那个时代,记录阿方索卡隆的童年生活。
这不是一部一边吃着泡面一边娱乐放松的电影,这是一部值得你静下心来欣赏的沉淀之作。
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本条为公众号「风影电影」的日常院线评价栏目。由于豆瓣分数长短评须一致,评星与本人短评相同,与具体评分无固定关联。
本期院线团探讨的电影是最新上映的《罗马》。中国是全球范围内,该作上映规模最大的国家。
鉴于这部电影的影响力,我们不再在前言中赘述其奖项、风格、剧情,直接开讲。
Morning
9分
宫崎骏曾说,好的作品入口要宽要平,出口要窄要高,好的表达也是如此。个人觉得《罗马》很像许鞍华的许多作品的集合体,但还是有不同的沉浸意味,那些横移的全景镜头非常有体验感。
喜欢女主角被祝酒然后被身后跳舞的人撞翻那场戏,喜欢女主角有场戏被女主人骂后看着小孩打架烦闷的无能为力那场戏,也喜欢女主角在听到婚礼的欢呼后回过头来望了一眼螃蟹的雕塑那场戏。
整部电影就像是流沙与珍珠,松软而珍贵,它一步一步的走到这里,用决不回头的方式。很多女主角移动的镜头都是反常规从右往左的,而当她要对抗时则变回了从左往右,扎入生命中体验,是对私人最好的交待。
陀螺凡达可
9分
不同文本层次相互作用交融的同时,共同承载了创作者对墨西哥对童年最私密最个人的回忆和情感。这种感性、私人同时又宏大的影像力量喷薄而出,犹如影片最后那一波又一波的巨浪,不断冲击并试图淹没大银幕前的每一个观众。
犹在镜中
9分
摇镜展现多方空间(指向invisible distinction),楼顶浣洗和夜归停车重叠交错的视感,还有二元结构的图景展示(娱乐生活、夜生活、音乐品味)都在描述两方共享的一种仪式感,营造静默在场。所以声音细致处理之用不仅是为了丰富影片细节,而是以声音为话语网络来完成形构和冲散,比如外暴动内因紧张而噤声、出影院的一路嘈杂环境音与心境的衬托,因此Roma在个人生活史(以家为单位)的描摹上是极端出色的。
但我疑问在于女佣与雇主之间的感情被悬括了,最后似乎变成了阶级之间的互动,失去孩子像是因为女佣身份的“不够格”而非因社会大环境。而将清扫狗屎的水纹和拯救的海浪一呼应,整部电影便又指向了人类层面的海浪-水-母爱-生命-希望的元素结构,缺少反思性。但因为对大量评论所指的社会环境不甚了解,单从生活史层面欣赏完全是部杰作。
汪金卫
9分
去年十月在釜山CGV视达巨幕厅一刷了英文字幕版。被阿方索卡隆的长镜头调度与摄影构图折服,一汩汩洗地水与一波波海浪相得益彰。深感大银幕的震撼。该版本特意强调只有西班牙语部分有字幕,其他语言无字幕。在LUXE厅二刷了国内引进的DTSX音效版。音效更加出色。这部影片很多镜头调度范围广,很多摇镜180度甚至360度。DTSX版音效对音源位置调整得很出色,环境音非常细腻。甚至固定镜头中不同方位角色的对白声音位置都能在银幕各处一一精确对应,实在是一场电脑观影无法比拟的视听盛宴。此次二刷全程中文字幕版,观感更加投入,乃至一度落泪。能看出一些CG特效痕迹,然而也注意到翻译错误与低级的错别字。实在遗憾。耍棍戏的放大处理也不算突兀。我把这部作品当作导演的私人记忆回顾,就像更成熟更工业化的《八月》。
鲛人河
8.5分
罗马不是一日毁灭的。从底层佣人视角窥视中产阶级,令人唏嘘。镜头并不是被人物引领,而是引领着人物,对情绪的控制力可见一斑。卡隆对拍摄生产与胚胎的执着,与《人类之子》的生命相悖,死婴意味着生与死的薛定谔,然而有人没有活过,活着的人还要继续活下去。
徐若风
8.5分
以卡隆的好莱坞资历和出身家境,就算套上女佣视角,他也不会往小了拍,拍的更多是装成生活流的狂塞隐喻、把时代与个体的关系用奇观来堆砌建构的“私人化史诗巨制”。
然而全套顶配,最终却没有给我期待中的震撼。散点式的情节描画之下,就算铺陈大量细节,却看不到丰满的人物之间的羁绊。而观察时代又有点太不直接,虽不算过错,但显得浮光掠影。视听调度顶级,却又有些绷着,精致好看的同时又让人很累。
于我而言,《罗马》是部失望的作品;但无论如何,鉴于其顶配的情况,还是可以给出很高的分数。
掉线
8分
仔细思考了一下,还是能给个八分的。平心而论,电影没有给我太大触动,和绝大部分中国观众的观感一样,我觉得很平淡。但这平淡并非导演能力问题而是卡隆选择了某种呈现方式的后果。《罗马》和大部分讲述回忆的电影不同在于,它不是“回到从前”,而是“立在当下,回望从前”。所追求的并非将观众带入私人情绪,它是站在第三人视角对自我记忆的俯瞰与审视,这也是电影充满了大量乍一看与表达矛盾,“炫技”式手法的原因,繁多的视觉与听觉细节是为了构造出回忆的全貌,没有内化的表现女佣心理,跳出生活展露更多社会信息,也是因为那样会打破其意境。《罗马》看似矛盾,夹生的态度未必对观众有效,但的确是有胆魄的尝试。且其实这也不一定是电影本身的问题,西方观众看来必然会有不一样的感受。
Zitsunari
8分
看之前抱了很大期待,因为这种老旧时代的私人半自传故事很难不让我联想到自己的书(《是梦》)。看了后也并不失望,甚至还有点感动:男人无不薄幸,在只有女人和小孩的世界里,人与人情深义重。有人说它寡淡,但我恰恰觉得它的缺点在于刻意放了太多的巧合与奇观进去,破坏了日常感。
Zowie
8分
两个女性之间基于女性身份的共情是相对脆弱的,仅仅是几个瞬间,并很难弥合阶级裂痕。Cleo与同自己生活在一起的雇主家庭始终隔着层层空间,并不曾了解那场与自己休戚相关的社会变革。而女主人一家对Cleo的温情接纳,在我看来更多是出于一种教养和礼仪,正如同他们隔着家具店二楼的玻璃窗对Revolutionary们表达同情一样。
尚在影
7.5分
重点不在于小格局,而在于每一个细节的处理。太空画面一秒串戏《地心引力》。
晚不安
7.5分
前一个小时的观影体验是被阻断的,我无法对人物或者家庭产生丝毫共情。但是对我来说,后半部很快迎来了两个魔幻时刻:一个是卡丽萨新年时打破酒杯,另一个是她闭上眼单脚稳稳地站着。我无法尽述这两个细节与个人生命体验产生的强烈共振,但人物确实从那一刻鲜活起来了。再往后,一切都顺理成章也水涨船高。
“史诗”这个词并不适合这部电影,我也不认为它有多强的历史指涉或者涉及阶层融合。它不像《悲情城市》试图关照一个时代的集体伤痛,而是一部小而私人的电影,所有叙事只为阐述一段生命经历。面对记忆,卡隆选择的叙事态度无限接近零点。同样是黑白摄影,《冷战》的影像托举情绪,而《罗马》始终在剥离情绪,摄影机与人物始终有距离。直到某个瞬间,当观众的知觉不知不觉地打开以后,情绪顿时如水灌满眼睛的容器。
YQY-Vader
7.5分
过于私人化,以至于整个电影仅在卖力还原时代,却看不到太多反思或批判,再精致的视听也只是去还原时代,到头来最让我感动的一个是产房的长镜头,另一个是结尾海浪滚滚中的长镜头,这两个镜头关乎的都是人物,所以需要如此繁复的调度去还原时代吗?想看到的是人物与时代间的纽带。
无比赞同反派所说这是一部听觉VR电影,实际上在视觉上也近似VR,大量室内横摇,就像是VR的固定视点,但也暴露出VR的弊端,只能横向进行观察,却难以纵向去深入。
奥利
7分
一开始在碎琐事物铺展中实在无法忽视卡隆频繁造作的摇与移的在场,但也似乎正是他对人物所处时刻耐心地观察与描摹让我开始理解并体验到他运镜的温润,渐渐滑入由这种温润编织的关于人处于浪潮之中的宏观幻觉里,但这终究是幻觉,一次不曾真正贴近时代的书写。
冰山的阴影
7分
恰似影院里光辉夺目的银幕上俯冲的轰炸机,瑟缩在暗角的卑微女仆从来都只是生活主旋律的陪衬,即便同处于摄影机的视阈内,依然逃不过被观众忽视和遗忘的命运。飞机一班又一班划过天际,男人一个又一个师心自用,苦难如浪潮般汹涌,她们却依然紧紧相拥。
嘚嘚
7分
革命,成功了的话就成为历史进程的一个过程,如果失败就会成为创伤而名垂千史。镜头语言的设计感让人无法进入电影,文本的隐喻比较浅、主题先行。可能主视角的游离,一会儿是佣人,一会儿是中产阶级富裕家庭。
荰苌葓
7分
这不只是一部面向普罗大众的影像作品,而是阿方索卡隆内心对家乡的眷恋,以小家之崩坏,投射出那个时代的墨西哥风情画。尽管他的情感得以宣泄,但却还是被摄影和长镜喧宾夺主。
寒枝雀静
7分
以为某种若即若离的视角提供了更为客观的观察方式,后来才发觉这只起到了抽空人物的效果。琐碎的散文式缀连始终没有铺陈出情感的暗流,到最后只和漫布全片的摇镜一样作空洞的凝望。而结尾更是以和《地心引力》同样的好莱坞方式抹掉了最后几丝残存的复杂性真实。仅能悦目而无法赏心的体验。想了想还是可以升半星,其实是一次好莱坞叙事下的私人记忆,因而不免产生割裂,恐怕取决于观众更多能看到哪部分。
欢乐分裂
7分
具有较重痕迹的匠造之气,隐喻和指代都较为刻意而功利,包括为人称道的摄影,炫技足够,正如平移长镜横扫城乡人与事全景,视听虽华美然共情寥寥,并无直击人心的感染力,以女主为中心的环绕镜头不如产床上的固定机位与空镜更有用。历史洪流改变个体生命进程,但个人幽微心绪始终难以与社会变革贴近、融合,于是时代大背景沦为虚焦的背景板。
杨清宇
7分
一场对墨西哥往事文献级别的复刻,充满了精巧的设计与隐喻,却难以捕捉到电影的灵魂所在。女佣视角是一把双刃剑,跨越阶级和人种的带入是难度极高的文学挑战,很显然卡隆只是借用了她的身体作为在场,与白人世界无法弥合的距离是实实在在的,而女佣在看什么、想什么我们无从说起,这也就造成了影片的失焦(某些影迷称之为客观,但客观得看不到立场还蛮扫兴的)。至于兀自摇动的镜头倒可以解释为――历史的轨迹不以人的意志为转移。这样一想似乎格局就小了。
冰红深蓝
6.5分
一部值得一看的电影,但并非一部好电影(实为一个典型反例)。
表面上,这是一部采用“新写实主义”手法的作品(描写小人物现实生活、非职业演员、自然光、环境音、深焦长镜头),但每一帧却都因过载的技术与信息(无论是调度、物件、密集的声响还是隐喻与象征)而产生了不可忽视的割裂感。控制成了主角,而非情感。我们可以比较一下《冷战》(另一种精致美丽的黑白复古风格,却同样缺失了真实感和诚挚的情感)和《幸福的拉扎罗》(尽管混杂新写实主义与超现实主义,却满载着悲悯与真实感)。
总之,一方面,繁复而饱和的细节与精致的技术使《罗马》这部导演声称的自传性影片显得虚浮造作,另一方面,刻意营造的间离视角又将电影最宝贵而动人的本质(参见戈达尔《狂人皮埃罗》)——情感悉数扼杀。
嘟嘟熊之父
6分
所以卡隆什么时候可以放下拍出影史最佳长镜头的执念啊?
长镜头的核心诉求在于与时间同步,但卡隆的长镜头还是意图展现他精准的场面调度能力,实属本末倒置。他对镜头语言的设计强度不适合这种高情感浓度的题材,整部影片最有力量的恰恰是为数不多的几个空镜。
小宇
6分
1.再次厌恶奈飞网络版本。
2.影院里能察觉到为何利用声音去做一些潜在的前兆,正好对应女仆日常生活的世界,与外部隔离的世界。
3.一些很有趣的环形对应,例如开头的飞机,镜头摇动方向,孩子在跟女佣共处时的不同对话,大猪蹄子在得知怀孕前后变化。
4.弱处理庞大叙事造成的表达不清结果,同样放置于镜头拍摄上透露出一种忽远忽近,很难透过画卷内容拼凑出具体形态,或是历史寓意,或是私人故事与历史革命的交融之处。即便是私人表达爱意,也极难从这个人物里读取出更多内容。
5.手枪与奶水的对立隐喻电影里男性与女性的对立,社会中的问题,革命中的问题,生理构造的问题。但,还是太模糊,太难以揣摩这种对立。
6.最后男主人搬出房子,活佛依旧在房子里,书籍依旧在房子里,地震发生温箱里婴儿任然活着,最后女佣就出一对孩童。即便发生了那么多破坏生活的事情,他们依然有个妥善的结局,请主善待他们。
7.过年长镜头,最后救人长镜头,某运动长镜头,音效都做到类似战争的音效,暗示墨西哥那段不平稳岁月,这种使用特别有趣。
8.最后车四角拍摄全家福,紧接前面的凝聚,却又透露着迷茫,日后怎能过,透露着之后墨西哥与美国关系,可惜这块并未真有大块内容解读。
9.影院版本那段耍棍戏特别有趣,但是整体内容都做了切割,无意破坏时又构造另一种遗憾美感。
10.选用歌曲也很切合人物,本就是小人物小日子活下去,随着歌曲变化,因潜移默化的社会变得支离破散,切合人物和主题发展。可惜有段歌曲没有中文字幕翻译出来,特别遗憾,那是首很悲伤的歌。
OreoOlymLee
5分
看得精疲力竭。从《人类之子》开始,长镜就总是先于人物一步展现情景,关键角色数次被推在镜头的边缘,颇有些被时代和历史演进的无形力量所压制的宿命感。
但此次卡隆欲将表达塞满他完美的镜头调度内,不仅极大地分散了单一镜头内视觉焦点(需要不断地在画面内“寻找”),也让画外空间不复存在(对某一动作事无巨细的展现所呈现出的累赘感),所以数次边缘化、甚至直接让Cleo出于镜头之外只显示出了对她的漠不关心,呈示部的大幅退步使本片有滑向“文本转译”的危险(森林火灾那个“表演式”镜头甚至看到了舞台化的倾向)。
包括人物在内的一切可调动的元素,在精密的排列之下尽皆成为了镜头的奴隶。唯一愉悦的体验来自细致而丰富的声音设计,略违常识的对白音效(对话一方在摄影机背后时,听起来比对话双方实际距离更远)制造出了人物间的心理距离。
《罗马》7.5分
《绿皮书》7.3分《复仇者联盟4》7分
《何以为家》6.6分《惊奇队长》6.1分
《海市蜃楼》5.7分
《波西米亚狂想曲》5.1分
《罗马》是私人的,但它依然拍出了时代的宏大。虽然少许剧情有些肥皂剧的嫌疑,然而在它连贯的、通达的影像光辉之下,这一封卡隆的私人家书闪耀着史诗的光芒,它或许是卡隆导演生涯的巅峰。女主角Cleo的命运是对墨西哥大背景时代变迁的无声证言,加上男性角色的缺席,电影笼罩着女权主义的光环。以这样深情的角度去诠释自己生命中一个极度重要的时刻,去惦念划过自己生命的重要的人,或许是每一个导演的终极梦想。正如卡隆所说:“电影中百分之90的场景来自于我的记忆,有些直接,有些则迂回,但都是关于那个塑造我的时代,或者说塑造墨西哥的时代,那正是墨西哥漫长时代变迁的起始点。”
通过人物站位的空间关系显现出Cleo与这个家庭的关系,除了流产与海滩拥抱(刚好是固定机位)以外,她几乎永远都是若即若离的(孩子打闹、偷听时,她的制止几乎只是远远轻唤而已),就像她同她置身其中的整个时代背景一样是半旁观、半参与的灾异状态,私以为这恰恰是优点而非缺点,它真正还原了一个普通人而非对生活具备反思能力的知识分子的感受,所以被旧情人以枪指头带来的冲击力才会远超出街头流血哀嚎的政治暴乱,她的超验式能量(即练武场教练所言的“能量”)早已超然性别、阶级、社会与时代,一方面,这是东方独有的生存哲学,即作为个体的人类其生活无关宏旨,能难得糊涂便很好,另一方面,唯有在这种沉默-示说、内在-超越、他者-自我、缺席-在场、死亡-生存被混淆被等同的中间地带/灾异空间,人类才能(如布朗肖言)“看见自己独自面对无穷”。
不同文本层次相互作用交融的同时共同承载了创作者对墨西哥对童年最私密最个人的回忆和情感,这种感性、私人同时又宏大的影像力量喷薄而出,犹如影片最后那一波又一波的巨浪不断冲击并试图淹没大银幕前的每一个观众。
《罗马》让人困惑之处在于,这个与导演紧密相连的“童年往事”却出奇的抽离,缺乏一个介入过去的有效视角。从私人记忆角度来看,影片无疑太冷峻太客观;而从历史叙事视角来讲,《罗马》格局又太个人太细枝末节,尤其是游离在家庭和社会之中的女仆部分,充当隐喻的设计感太强。在革命日再次遭遇孩子的父亲,还紧接着产子,怎么听都像是中国坊间盛传那种某事件一句话小说的格局。
这人世间的路太窄,不仅会处处碰壁,撞得遍体鳞伤,还会时不时踩到几坨狗屎。但是,我们还可以去海边,洗尽铅华和晦气。天边,朝阳正冉冉升起,燃烧着希望和力量。
每次看到“形式大于内容”的评论就头疼。形式即是内容,形式永远是内容的一部分。观看的感受非常接近泰伦斯·马力克的《生命之树》,它像是一部导演私人记忆的合集,对这样的“私影像”,只能从情绪上去感受和接近,无法从故事和逻辑的角度去解读和诠释。它只是讲了两个女性,如何借助内在的女性力量,从她们生命中的一场情感劫难中存活下来,并生生不息。最魔幻也最凌厉的一幕,一边是千百个青年在街头挥舞着棍棒和枪支“闹革命”,另一边是夜幕下医院的门里门外,千百个孕妇捧着肚子在踱步待产,在产床上劈开双腿嗷嗷嚎哭,千百个婴儿诞下,还有千百个新生儿在地震中侥幸活命或不幸丧命…
大概我最喜歡的部分,就是開場的洗地
That’s way too much shit for one dog.
女仆故事,史诗气质。阿方索·卡隆贡献了从影以来最稳的一次掌镜,一组组镜头气度庄严,徐徐推开墨西哥“罗马”社区的家庭社会画卷。难得的是平淡中蕴含张力,最后的海浪画面充满悲壮肃穆感。仅以电影技巧而论,堪称年度最佳。
抱着15米巨浪的期待,看到的是2米高的波澜。
裸男舞棍,虎虎生风。听闻女友怀孕,转眼便无踪。一个女人经历渣男,就像一个社会经历革命,激情过后,留下一地狗屎。
1971年墨西哥政府镇压革命的时候,在暴力和枪火中,怀孕的年轻保姆因为耽搁了救治而失去了孩子。本来这是个非常好的故事,社会动荡与个人命运在一个时间点交汇会产生巨大的能量;但正如《你妈妈也一样》,到这部《罗马》,卡隆的富家公子哥身份和视角限制了他的政治敏感度。他当然觉得暴力行为很残酷,但他的角度是“我不喜欢这些,它影响了我平静富足的生活,让我失去了朋友,让母亲失去了孩子”。所以,故事仅停留在“渣男本渣”后试图以阶级融合的方式展现女性主义,是比较表面,也不够有说服力的。(比如:不同阶层的女性的悲剧只是因为男的“渣”吗?)当然视觉、听觉上,这部片很好
卡隆在拿了奥斯卡之后,这部《罗马》非常的个人风格化,完全不在乎娱乐性,不在乎普通的观众,只有自己,是那种纯粹的视听语言秀。虽然没有烧钱的特效和大明星,但每场戏都用了大量的群众演员,还原街区的时代感和生活细节,拍摄难度反而比那些特效大片更难,数千人的群演在场景中有条不紊地表演,这也是一种难得一见的视觉奇观!在这部电影里,可以说没有故事,甚至没有主角,真正的主角是1971年墨西哥的社会氛围,导演的野心就是还原儿时记忆中的印象和感觉,想还原这种虚无缥缈的东西,难度系数可想而知。《罗马》的艺术品质绝对是大师水准,不过拿到国内电影院里放映的话,估计票房会很惨烈吧,它的好可不是《爱乐之城》那类富有大众娱乐性的好,不过还是希望会有更多观众会看。
第一个室内横摇长镜就想拜倒 所有的技术都臣服于感情力度表达 海浪击穿我的鼓膜 你无家可归 // 二刷 即便全是卡隆有意编织的情感漩涡又如何呢 我甘愿受困 [Atelier]
有生皆苦!哭太忘我了。那么好,是充分必要,也是他不最在意的,让更多人看到。//大银幕二刷三刷。Netflix四刷。唾弃人,相信人,怜悯人,哭到岔气。
我觉得所有男性导演视角讲男的都是猪的故事都讲的挺好的。
化腐朽为神奇的摄影,值得起立鼓掌的杰作,尤其是在这样青黄不接的一年。个人与大时代、叙事与抒情完美结合,摄影机移动的每一刻,既是冷静的审视,又是充满情感的凝望。Cleo有一双马的眼睛,如此温顺,但又永远悲伤。
SO POWERFUL! ACADEMY AWARD!!! 其实这部片让我想到前不久看的Zama,有不少相似之处,包括个体与大背景之间的融合关系和对自然的景象捕捉,但是各异之处又令我感到同质的震撼,两部片年度Top3。
年度最失望——本以为预告片的情感震颤是冰山一角,谁曾想已经是张全景图。摄影和混响确实调动着全身感官,但故事始终锁死在一个孩子语焉不详的记忆视角里,从头到尾Cleo和母亲的角色都只是个演出卡隆内心自我感动的木偶罢了。为何如此和为何于此的问题,全都没有得到回答。
确实名不虚传,墨西哥导演阿方索卡隆的这部黑白忆旧电影让人看得心悦诚服!这位导演是个对生活有着敏锐观察力与记忆力的电影作家,将对自己保姆个人命运的记忆和社会历史变迁结合得水乳交融,即细小而又宏大。特别是由导演自己掌机拍摄的画面,把场景、细节、人物表现得那么细腻,那么流畅,尤其是难产、灭火、救孩子几个高潮戏的长镜头拍得太棒了,调度、运镜、采光、构图等都值得学电影的人反复琢磨、学习。在今天极度娱乐化、低俗化的现实面前,作者还能坚持拍出如此扎实、光彩的作品,值得打满分!